MI HISTORIA

JUAN PEREZ FLORISTÁN

¿Quién soy?

Mi nombre completo es Juan Luis Pérez Floristán, pero para diferenciarme de mi padre, también Juan Luis, en casa se me ha llamado siempre Juan (o Juanillo). Pero eso no responde a la pregunta de quién soy, sino de cómo me llamo. Decir quién es uno es muy complicado, así que voy a intentar salir del paso repasando mis principales hitos vitales y académicos (los profesionales los dejamos para más abajo).

Nací en 1993, en Sevilla, ciudad al sur de España, que ya de por sí está al sur de Europa. Mi padre, Juan Luis Pérez, es director de orquesta, y de él aprendí a dirigir. Mi madre, María Floristán, es pianista y pedagoga, y de ella aprendí a tocar el piano. Mi hermana, Carmen Pérez, salió farmacéutica, pero ella tampoco puede negar la música que corre por las venas de los Pérez Floristán, pues a día de hoy toca la percusión en una Batukada (quizás algún día también aprenda eso de ella). Nata era nuestra perrita, una Épagneul Bretón, que nos acompañó durante 15 años en los que nos hizo la familia más feliz del mundo.

Con 15 años conocí a Elisabeth Leonskaja, que cambió mi vida por completo con su calidad artística, pedagógica y humana. De hecho, fue ella la que me dio un consejo que seguí a pies juntillas: que me fuera a Madrid. Leonskaja seguiría acompañándome a lo largo de mi vida con sus inestimables consejos y clases, pero mientras tanto le hice caso, y me fui de Sevilla (ciudad que no volvería a ser mi lugar de residencia durante 12 años).

Así que con 16 años me mudé a Madrid, donde proseguí mis estudios pianísticos con Galina Eguiazarova en la Escuela de Música Reina Sofía durante 4 años. Probablemente fue el período más importante de mi formación artística y personal, donde cultivé grandes amistades, atendí a conciertos inolvidables y adquirí más experiencia escénica que nunca.

Con 20 años decidí irme algo más al norte, nada menos que a Berlín, pero por dos motivos de peso: Eldar Nebolsin, el que sería mi último gran Maestro; y la propia ciudad de Berlín, un microcosmos cultural increíble e inabarcable en el que me integré durante 7 años. En el seno de la Hochschule für Musik Hanns Eisler amplié no solo mi formación pianística con la guía inestimable de Eldar, sino que abrí nuevos horizontes artísticos y personales: di clases de batería durante dos años en el Jazz Institut de Berlín con Mario Würzebesser, tuve mis primeras experiencias teatrales y de presencia escénica (de la mano de Kristin Gutenberg), asistí a conciertos aún más inolvidables, cultivé otras tantas amistades, seguí ahondando en mi amor por el cine y las artes escénicas (recomiendo a cualquier visitante que no se pierda el Cine Babylon, donde tan feliz fui), y estuve subido encima de un escenario más tiempo del que pueda recordar.

Pero, tarde o temprano, el Sur siempre acaba llamando a todos sus hijos. Con un bagaje a mis espaldas impagable, muchos amigos que había conocido por el camino, y en plena pandemia, decidí volverme a Sevilla con 27 años recién cumplidos, sin saber muy bien qué hacer, pero con el convencimiento de que, como en casa, no se está en ningún lado.

Al poco de regresar a mi ciudad, acometí el que es mi último proyecto hasta la fecha, algo que me debía a mí mismo y que no había podido considerar seriamente por falta de tiempo, convicción y energías: mi formación actoral. Sin ningún tipo de ambición profesional y con la única intención de ampliar mis herramientas escénicas e investigar nuevas formas de expresión artística, empecé mi formación como actor en el Laboratorio de Interpretación y en La Colmena de Sevilla, bajo la dirección de profesores como Consuelo Barrera, Andrea Haro, Javier Centeno, Joserra Leza, María Martínez… Y actualmente tengo la inmensa suerte de contar con la guía y consejo de Vicente Fuentes.

Y hasta hoy.

Eso sí: no puedo acabar esta sección sin antes mencionar a otros grandes maestros que marcaron mi vida de una manera especial: Luca Chiantore, Eberhardt Feltz, Claudio Martínez Mehner, Daniel Barenboim, Ferenc Rados, Menahem Pressler, Nelson Goerner, Stephen Kovacevich, …

¿Qué hago?

Lo que es hacer, hago muchas cosas, algunas mejor que otras.

Aquí una lista (incompleta pero representativa) de mis muchas inquietudes, y un repaso resumido de mi actividad profesional hasta la fecha:

Curiosamente las manualidades nunca fueron mi fuerte, y menos aún si se trataba de pintar, pero sí he sabido hacer algo de provecho en esta vida con las manos: tocar el piano. Empecé a los 7 años, ni mucho ni poco para lo que se estila, y con la guía de mi madre fui subiendo peldaños. Desde muy chiquitito tuvimos claro que la experiencia escénica es lo más importante para un músico, así que aproveché cualquier oportunidad para foguearme en público y aprender nuevos repertorios. De ahí vino mi amor desde muy jovencito por la música de cámara, que nunca me ha abandonado, habiendo formado en la actualidad un trío con Miguel Colom y Fernando Arias (el “Trío VibrArt”). También he tocado con músicos como el Cuarteto Casals, Andrei Ionita, Pablo Barragán, Pablo Ferrández, Kian Soltani, Dietrich Henschel, Jonian Ilias Kadesha…

Mi actividad orquestal empezó también desde muy pequeño, tocando el Concierto 12 de Mozart con mi padre Juan Luis Pérez a la batuta. Desde entonces, he tocado con formaciones como la Orquesta de la RTVE, la Orquesta Nacional de España, la Filarmónica de San Petersburgo, la BBC Philharmonic Orchestra, La Orquesta Filarmónica de Israel, la Camerata de Jerusalén, la Orquesta Sinfónica de Monterey (EEUU), la Orquesta Sinfónica de Malmö, la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, la Orquesta de Barcelona, la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, la Orquesta Sinfónica de Castilla y León… Y con directores como Jesús López Cobos, Juanjo Mena, Pablo González, Ben Gernon, Marc Soustrot, Leopold Hager, Lorenzo Viotti…

También he dirigido desde el piano conciertos de Beethoven y de Mozart.

En cuanto a las salas en las que he tenido el privilegio de tocar, no puedo olvidar el Royal Albert Hall (junto a la BBC Philharmonic Orchestra en el festival de los Proms), el Wigmore Hall, la Herkulessaal de Munich, la Tonhalle de Zürich, la Filarmonía de San Petersburgo, el Béla Bartók Hall de Budapest, el Teatro La Fenice de Venecia, la Laeiszhalle de Hamburgo, Schloss Elmau, el Auditorio Nacional de Madrid, el Palau de la Música de Barcelona, l’Auditori de Barcelona, el Charles Bronfman Auditorium de Tel Aviv…

Probablemente los mayores hitos de mi vida profesional hayan sido ganar en 2015 el Concurso Internacional de Piano “Paloma O’Shea” de Santander y en 2021 el Concurso Internacional de Piano “Arthur Rubinstein” de Tel Aviv. En ambos también gané el premio del público, y a todo ello hay que sumar la Medalla de Oro de la Ciudad de Sevilla y el Primer Premio en el Concurso Steinway de Berlín en 2015. Pero nunca olvido el refrán que dice “Llevar premio no depende de ti. Merecerlo, sí”.

También soy desde el año 2020 profesor de piano en la Fundación Barenboim de Sevilla, y desde 2021 profesor de Ritmo Aplicado a la Interpretación en la escuela actoral “La Colmena” de Sevilla.

Además, desde 2021 también soy Artista Oficial Yamaha.

Cambiando de tercio, el cine siempre ha sido mi gran pasión, aunque no sé si ponerlo aquí, porque lo que es “hacer cine”, no hago (si bien lo estudio por mi cuenta: la única cosa en la que soy autodidacta). Pero aquí queda escrito, por si algún día cae la breva. Mientras tanto, escribo guiones, piezas de teatro, historias para no dormir… Llamémoslo por ahora un “hobby” que me apasiona.

Y hablando de escribir, también escribo una sección para La Ventana de La Ser con Carles Francino. La sección se llama “Tócala otra vez, Juan”, mismo título que… mi canal de YouTube. Me resisto a mencionarlo, porque llevar adelante un canal de YouTube requiere tiempo y muchas energías, de los cuales no dispongo en abundancia, así que mejor digamos que de vez en cuando publico vídeos en los que hablo de todo un poco (y mucho de música).

De pequeño me encantaban los trucos de cartas y la papiroflexia. A día de hoy no sé ni jugar al mus ni doblar correctamente una servilleta.

¿Qué pienso?

Ser y hacer no son lo mismo que pensar, así que aquí van algunas reflexiones que me asaltan de cuando en cuando:

-El legado no se disfruta. Solo se disfruta lo que te sucede en vida.

-Las redes sociales existen. Negarlas es negar el siglo XXI. Eso sí, jugarle el juego al algoritmo que las gobierna es aceptarlas acríticamente; pero usarlas contra el algoritmo es ir a contracorriente. Entre estas dos posiciones intenta moverse el Artista.

-El Texto siempre está abierto a nuevas posibilidades y horizontes. El compositor nunca acaba de perfilar una obra, simplemente la edita y publica. Editar y publicar no es lo mismo que finalizar. El intérprete solo se enfrente a obras inacabadas, que ni siquiera él mismo puede completar: solo el público, en el concierto en vivo, las completa (por un solo instante).

-No toda performance artística ha de ser grabada y/o retransmitida en streaming. Quizás la mayoría no deberían ni salir de las cuatro paredes del auditorio y de la memoria del público asistente.

-El intérprete no es un museo andante.

-El arte no nace en un vacío neutral. La expresión artística está marcada por su época, su lugar geográfico y su sociedad. Las artes escénicas son a la vez el lugar donde una sociedad pone en juego sus valores y creencias, y el espejo donde ve reflejado esos mismos valores y creencias. No existe un arte escénica acrítica.

-El arte es la expresión más humana que existe. El arte es política.

-Pretender que la música clásica es universal es negar su especificidad, es decir, negar que es música compuesta en su mayoría por hombres blancos occidentales entre los siglos XVII y parte del XX, y para unos conjuntos instrumentales muy concretos. Eso sí: nadie niega que se trate de una producción artística de valor incalculable y que haya de ser preservada a toda costa.

-La hiperespecialización y compartimentación de las artes no debería ser un dogma indiscutible. El artista completo (o al menos multidisciplinario) es una figura que podría volver más pronto que tarde.

-Los llamados “géneros musicales” (música clásica, pop, rock, jazz, folk, músicas del mundo…) dicen más de la ideología y la estructura socioeconómica en que esa música se enmarca que de la propia música y sus características. El concepto de “género musical”, aunque sea tremendamente práctico, es cualquier cosa menos un concepto musical.

-Nunca dejar de formular la misma pregunta, una y otra vez: ¿para qué sirve un artista?